Baroque Sculpture: Bernini, Mga Pangunahing Katangian, at Paano Gumagana ang Komisyon Ngayon

Tumayo sa harap ng Apollo at Daphne ni Gian Lorenzo Bernini sa Borghese Gallery ng Roma at ang apela ng baroque sculpture ay nagiging halata sa loob ng ilang segundo: isang mythological chase na nagyelo sa eksaktong instant na ang mga daliri ni Daphne ay umabot sa mga dahon ng laurel, ang kanyang mga daliri sa paa ay nag-ugat, ang kanyang bibig ay nakabuka sa sigaw na kahit papaano ay maririnig ng marmol. Ito ang istilong nangibabaw sa Europa mula sa unang bahagi ng 1600s hanggang kalagitnaan ng 1700s. Tinanggihan nito ang kalmado, nag-isip na katahimikan sa pabor sa nag-iisang pinaka-dramatikong sandali na maiaalok ng isang kuwento, na inukit upang ang liwanag, anino, at ang sariling yapak ng manonood ay kumpletuhin ang komposisyon.

Sa madaling salita, ang baroque sculpture ay sculpture engineered para sa paggalaw, emosyon, at panoorin. Ang pag-unawa sa kung paano nito nakamit ang mga epektong iyon, sa teknikal at pati na rin sa masining, ay mahalaga para sa sinumang nagkomisyon ng mga fountain, figure ng simbahan, anghel, o statuary ng hardin ngayon, dahil ang parehong mga problema sa istruktura na nalutas ni Bernini ay ang mga kailangan pa ring lutasin ng bawat workshop.

Ano ang Gumagawa ng Baroque ng Sculpture?

Ang mga figure ng Renaissance ay karaniwang nakaharap sa iyo, balanse at binubuo. Ang mga Baroque na figure ay umiikot, lumulutang, at umabot sa sarili nilang mga gilid. Limang katangian ang umuulit sa mga workshop sa panahon:

• Mga komposisyon ng dayagonal at spiral. Ang mga katawan ay itinayo sa mga dayagonal sa halip na mga patayong palakol, kaya ang mata ay naglalakbay paitaas o umiikot sa anyo. Ang David ni Bernini (1623 hanggang 1624) ay isang nakapulupot na bukal na may braced na mga paa at may sugat na katawan, hindi katulad ng husay na bayani ni Michelangelo.
• Ang mapagpasyang sandali. Pinili ng mga eskultor ang pinakamataas na bahagi ng pagkilos: ang kagat ng mga daliri ni Pluto sa hita ni Proserpina (1621 hanggang 1622), ang ecstasy ng isang santo, ang pagbagsak ng alon.
• Drapery bilang isang motor. Ang tela ay hinahagis, hinahagupit, at malalim na pinuputol upang ito ay nakakakuha ng liwanag at nagpapahiwatig ng hangin at bilis. Ang drill work ni Giuliano Finelli sa Apollo at Daphne ay gumawa ng buhok na napakahusay na mukhang suklay.
• Maramihang mga pananaw. Ang mga gawa ay binalak na lakad-lakad, na nagpapakita ng mga bagong anggulo; wala ay isang solong harapan.
• Pagsasama-sama ng sining. Ang eskultura, arkitektura, pagpipinta, ilaw, at tubig ay pinagsama sa isang entablado na kabuuan, pinakatanyag sa Cornaro Chapel, kung saan nakaupo ang mga marmol na santo sa mga inukit na kahon ng opera sa ilalim ng isang nakatagong pinagmumulan ng liwanag.

Ang bawat katangian ay may teknikal na gastos. Ang mga spiral poses ay nagtutulak sa gitna ng gravity mula sa base, ang malalim na mga undercut ay naglalagay ng bato sa ilalim ng tensyon, at ang airborne drapery ay dapat na perpektong modelo bago ang isang pait ay maputol. Samakatuwid, ang mga studio ng panahon ay nagtrabaho mula sa maliliit na clay sketch na tinatawag na bozzetti at pinalaki ang mga ito pagkatapos lamang malutas ang mga dinamika, isang daloy ng trabaho na nananatili halos hindi nagbabago ngayon.

Ang mga modernong pandayan ay tumatagal pa rin sa mga dynamic na mythological group na ito. Ang isang bronze centaur at angel sculpture ay nagdadala ng parehong off-balance, upward-reach energy, na niresolba gamit ang internal armature sa halip na swerte:

Bronze Centaur at Angel Sculpture Nakatayo na may taas na 1.8 m na may asul-berdeng patina, ang tansong pagpapares na ito ng muscular centaur at mapaglarong may pakpak na kerubin ay umaalingawngaw sa hindi balanseng enerhiya na umaabot sa itaas ng mga dynamic na mythological group ni Bernini. Tingnan ang Produkto →

Bernini at ang Romanong Baroque

Tinukoy ni Gian Lorenzo Bernini (1598 hanggang 1680) ang istilo sa paraan ng pagtukoy ng isang kompositor sa isang paaralan. Bago siya maging tatlumpung taon ay inukit na niya ang mga pangkat ng Pluto at Proserpina at Apollo at Daphne para sa Cardinal Scipione Borghese, at ang kanilang realismo sa ibabaw ay hindi pa rin nakakapagpatahimik sa mga bisita: laman ng bato na nabubulok sa ilalim ng isang mahigpit na pagkakahawak, lubid na marmol na pumipiga. Ayon sa tradisyon, ang kanyang David ay nagdadala ng sariling pagngiwi ng iskultor, nagtrabaho habang si Maffeo Barberini ay may hawak na salamin.

Ang kanyang mga mature na gawa ay nagtulak sa pagsasanib ng sining nang higit pa. Ang Ecstasy of Saint Teresa sa Cornaro Chapel ay nagpapalabas ng liwanag nito mula sa isang nakatagong bintana sa likod ng ginintuan na mga sinag. Ginawa ni Saint Longinus sa Basilica ng Saint Peter (nakumpleto noong 1638) ang pagbabago ng isang sundalo sa isang umiikot na komposisyon na sinadya upang basahin habang naglalakad. Ang Fountain of the Four Rivers sa Piazza Navona (1651) ay nagtakda ng mga malalaking diyos ng ilog sa isang travertine rock sa ilalim ng isang obelisk, na may tubig na nagbibigay-buhay sa buong grupo.

Hindi kailanman one-man show ang Rome. Ang Santa Cecilia ni Stefano Maderno (1600) ay nagbukas ng siglo na may nakakatakot na naturalismo. Ang Saint Veronica ni Francesco Mochi (nakumpleto noong 1639) ay naghagupit ng mga kurtina sa isang unos na walang sinuman ang tumugma sa loob ng mga dekada. Nag-alok si Alessandro Algardi ng isang pinigilan, klasikong alternatibo na pinahahalagahan ng mga patron ng papa, habang si Francois Duquesnoy ay nagdala ng Flemish na kalinawan. Ang pagkakaiba-iba ay mahalaga: ang baroque ay palaging isang pamilya ng mga solusyon, hindi isang solong formula.

Paano Lumaganap ang Estilo sa Europa at Latin America

Sa loob ng dalawang henerasyon ang parehong bokabularyo ay inangkop sa magkaibang klima ng panlasa at paniniwala:

Ang mga sangay ng Espanyol at Latin America ay nararapat na espesyal na paunawa: ang mga figure na ito ay hindi puting bato ngunit pininturahan ng kahoy, kadalasang nakasuot ng tunay na mga tela, at ang kanilang pagiging totoo ay nagsilbi sa prusisyonal na pagganap kaysa sa pagpapakita ng museo. Tapos, sa madaling salita, ay palaging tinukoy sa pamamagitan ng paggamit.

Mga Materyales at Teknik sa Likod ng Dula

Marble: tensyon na inukit sa bato

Ang Baroque marble carving ay isang kinokontrol na paglaban sa kahinaan ng materyal, na kung saan ay pag-igting. Hinahayaan ng mga drill channel ang malalim na anino sa mga drapery folds, at ang contrast sa pagitan ng pinakintab na balat at halos may ngipin na bato ay nagtutulak ng mga figure pasulong, kaya ang isang figure ay maaaring magdala ng ilang mga grado ng finish. Para sa mga mamimili ngayon ang aral ay praktikal: ang malalim na undercutting ay nagpapataas ng gastos at pagkasira, kaya dapat itong tukuyin kung saan maglalakbay ang mata, hindi sa lahat ng dako. Ang paraan ngayon ng mga studio sa pagbabalanse ng kasanayan sa kamay laban sa modernong pagpapalaki at mga pamamaraan ng pagtitiklop ay kung ano mismo ang naghihiwalay sa isang tumpak na klasikal na pigura mula sa isang matigas na kopya, tulad ng ipinaliwanag sa pagtingin na ito kung paano pinagsama ng mga eskultura ng marble na tao ang tradisyonal na pagkakayari sa modernong pamamaraan.

Ang mga diyos ng dagat at mga diyos na tinatangay ng hangin ay nananatiling natural na mga kaso ng pagsubok para sa pag-uukit na ito, kaya naman ang isang pilit na Poseidon ay nababasa pa rin bilang baroque kahit na sa isang modernong patyo:

Marble Human Sculpture na may temang Poseidon Humigit-kumulang 1.8–2.5 m ang taas na may trident at umaagos na drapery, ang weather-resistant na Poseidon statue na ito ay nagpapakita kung bakit ang bronze-era sea-god compositions ay nababasa pa rin bilang baroque power sa isang modernong courtyard o sa tabi ng tubig. Tingnan ang Produkto →

Bronze: drama ang ginagawang posible ng pandayan

Pinalaya ng Lost-wax casting ang mga sculptor mula sa structural logic ng bato. Ang manipis na airborne drapery, pag-aalaga ng mga kabayo, at ganap na undercut torso na madudurog sa marmol ay nakagawian sa bronze, kaya naman marami sa mga pinaka-matinding komposisyon sa panahon, ang mga fountain higit sa lahat, ay natapos sa cast. Ang paghahagis ay nagdaragdag ng mga yugto ng paggawa ng amag, paghabol, at patina, at bawat isa ay isang de-kalidad na gate. Kung tinitimbang mo ang dalawang metal para sa isang komisyon, ang isang survey ng mga uri at pamamaraan ng bronze sculpture ay isang makabuluhang lugar upang magsimula.

Ang stucco, terracotta, at pininturahan na kahoy ay dala ang natitirang tradisyon, mula sa mga Bavarian vault na anghel hanggang sa mga santo ng Quito, na palaging tinutulay ng isang full-size na modelo na inaprubahan bago mahawakan ang huling materyal.

Baroque Principles in Today's Projects

Hindi mo kailangan ng badyet ng papa para magamit ang bokabularyo na ito. Ang mga kliyenteng nakikinabang sa trabahong nagmula sa baroque ay may tatlong gawi:

1. Tinutugma nila ang materyal sa setting. Nakukuha ng Bronze ang premium nito sa labas: nabubuhay ito sa mga freeze-thaw cycle, pinahihintulutan ang manipis na mga dynamic na elemento, at nagkakaroon ng protective patina. Ginagantimpalaan ng marble ang mga kalmadong interior gaya ng mga simbahan, mausoleum, at mga colonnaded na hardin kung saan mababasa nang malapitan ang detalye.
2. Nagplano sila ng walk-around. Ang isang tunay na dramatikong pigura ay idinisenyo upang bilugan, kaya ang mga sightline, anggulo ng pag-iilaw, at clearance ay mahalaga gaya ng taas. Ang anumang figure na may airborne drapery ay nangangailangan ng panloob na reinforcement at isang maayos na engineered na base, hindi lamang isang level slab.
3. Tinatrato nila ang tubig bilang bahagi ng komposisyon. Mula sa Piazza Navona pasulong, ang gumagalaw na tubig ay ang pinakatiyak na paraan upang madama ang buhay ng bato, at ang pump sizing, drainage, at winter shutdown ay dapat i-engineered gamit ang pag-ukit sa halip na idagdag pagkatapos.

Ang inukit na European white marble fountain ay ang direktang inapo ng tradisyong iyon, at ipinapakita nito kung paano dapat lutasin ang figure, basin geometry, at hydraulics bilang isang kontrata:

European White Marble Fountain Inukit mula sa isang bloke ng puting marmol at nakatayong 3.0–4.0 m, pinagsasama ng fountain na ito ang figure work, basin geometry, at umaagos na tubig, na nagpatuloy sa tradisyon ng baroque ng pinagsamang disenyo ng sculptural. Tingnan ang Produkto →

Kapag nag-brief ka sa isang tagagawa, pindutin ang mga puntong pinakamahirap na binibigyang diin ang mga baroque na piraso: kung paano pinapalakas ang mga undercut at cantilevers, kung paano naaprubahan ang modelo bago magsimula ang pag-ukit o pag-cast, kung aling mga antas ng pagtatapos ang matatanggap mo, kung paano hinahati ang mga piraso at naka-crate para sa pagpapadala, at kung sino ang nag-angkla at nag-level ng trabaho sa site. Ang isang workshop na sumasagot sa mga tanong na iyon gamit ang mga guhit at sanggunian, sa halip na mga adjectives, ay ang isa na maaaring maghatid ng isang komposisyon na binuo sa pag-igting at panatilihin itong nakatayo sa loob ng mga dekada.

Ang baroque sculpture ay nananatili dahil nalulutas nito ang isang permanenteng problema: kung paano gawing buhay ang hindi gumagalaw na materyal sa eksaktong sandali na makuha ang atensyon. Ang mga diagonal, ang whipped drapery, at ang pinagsamang fountain-and-figure ensembles ay mga sagot sa inhinyero gaya ng mga artistikong sagot, kaya naman malinis ang mga ito sa mga modernong proyekto ng simbahan, mga hardin ng estate, at mga pampublikong plaza. Piliin ang materyal para sa setting, planuhin ang galaw ng manonood, at ilagay ang tubig kung saan ito kabilang sa kuwento, at ang ikalabinpitong siglo ay gagana pa rin nang kasing hirap para sa iyong proyekto tulad ng dati para sa Roma.